Com dois meses de antecedência o Festival DoSol 2010 está pronto. Toda a escalação, locais dos shows, preço dos ingressos (R$ 30.00 a casadinha e R$ 20.00 a individual) e horários já estão disponíveis. Anderson Foca, produtor do evento, acha que é muito melhor assim, já que dá tempo do público se programar e conhecer as atrações através dos links que são disponibilizados nas redes sociais, principal ferramenta de divulgação do festival.

As novidades em 2010 são a festa de abertura para convidados e 200 primeiros que comprarem a casadinha e a etapa Pium no Circo da Luz. No total serão 62 shows distribuidos entre DoSol, Casa da Ribeira e Circo da Luz. Também haverá uma edição “drops” em Mossoró, no Centro Cultural Quintura.

Assista entrevista em vídeo com Anderson Foca e leia a programação final do Festival DoSol 2010.

Foto: Rebeca Correia

FESTIVAL DOSOL 2010 – LINEUP FINAL

SEXTA, DIA 05 DE NOVEMBRO

RUA CHILE, RIBEIRA

FESTA DE ABERTURA

CENTRO CULTURAL DOSOL

DISCOTECAGEM – FABRÍCIO NOBRE (GO)

24H – AMP (PE)

01H – LOVE BAZUKAS (GO/SP)

SÁBADO, DIA 06 DE NOVEMBRO

RUA CHILE, RIBEIRA

15h30 – HOSSEGOR (RN)

16H – DECRETO FINAL (RN)

16H30  -  NEVILTON (PR)

17H – HUMANA (CHILE)

17H30 – MECHANICS (GO)

18H – SWEET FANNY ADAMS (PE)

18H30 – SEX ON THE BEACH (PB)

19H – SUPERGUIDIS (RS)

19H30 – VENICE UNDER WATER (RN)

20H – CAMARONES ORQUESTRA GUITARRÍSTICA (RN)

20H30 – AUTORAMAS (RJ)

21H – THE TORMENTOS (ARG)

21H30 – CALISTOGA (RN)

22H – BLACK DRAWING CHALKS (GO)

22H30 – VESPAS MANDARINAS + FÁBIO CASCADURA (SP/BA)

23H – ORQUESTRA CONTEMPORÂNEA DE OLINDA (PE)

24H – CABRUERA (PB)

24H30 – MÓVEIS COLONIAIS DE ACAJU (DF)

DOMINGO, DIA 07 DE NOVEMBRO

RUA CHILE, RIBEIRA

15H30 – TODOS CONTRA UM (RN)

16H – BURN MY HEART AT SUNSET (RN)

16H30 – PUMPING ENGINERS (RN)

17H – MAHATMA GANGUE (RN)

17H30 – KATAPHERO (RN)

18h  – CONJUNTO MERDA (ES)

18H30 – AK-47 (RN)

19H – GARAGE FUZZ (SP)

19H30 – DESALMA (PE)

20H – CLAUSTROFOBIA (SP)

20H40 – FACADA (CE)

21H20 – MARKY RAMONES BLITZKRIEG (EUA)

FESTIVAL DOSOL – MÚSICA CONTEMPORÂNEA 2010

QUARTA, 10 DE NOVEMBRO

CASA DA RIBEIRA

19h – ESSO ALENCAR (RN)

19h40 – CLARA E A NOITE (RN)

20h20 – MC PREGUIÇA (RN)

QUINTA, 11 DE NOVEMBRO

CASA DA RIBEIRA

19h – JÚLIO LIMA (RN)

19H40 – PEDROBREU (RN)

20h20 – ANTÔNIO DE PÁDUA (RN)

SEXTA, 12 DE NOVEMBRO

CASA DA RIBEIRA

19h – TESLA ORQUESTRA (RN)

19H40 – DONA ZEFINHA (CE)

20H20 – WADO (AL)

SÁBADO, 13 DE NOVEMBRO

CASA DA RIBEIRA

19h – TRILOBIT (PR)

19h40 – FÓSSIL (CE)

20h20 – GIGANTE ANIMAL (SP)

DOMINGO, 14 DE NOVEMBRO

CASA DA RIBEIRA

19h – PLANANT (RN)

19h40 – FALSOS CORNEJOS (ARGENTINA)

20h20 – VIOLINS (GO)

FESTIVAL DOSOL 2010 (ETAPA PIUM)

CIRCO DA LUZ, PIUM/RN

DOMINGO, DIA 14 DE NOVEMBRO

17h – TESLA ORQUESTRA (RN)

17h40 – FÓSSIL (CE)

18h20 – CAMARONES ORQUESTRA GUITARRÍSTICA (RN)

19h – THE TORMENTOS (ARGENTINA)

19h40 – DONA ZEFINHA (CE)

20h20 – PEDROBREU (RN)

21h – CALISTOGA (RN)

SEGUNDA, DIA 15 DE NOVEMBRO

17h – JÚLIO LIMA (RN)

17h40 – FLUIDO NATURAL (RN)

18h20 – PLANANT (RN)

19h – FALSOS CORNEJOS (ARGENTINA)

19h40 – PROJETO TRINCA (RN)

20h20 – VIOLINS (GO)

21h – VENICE UNDER WATER (RN)

Foto: Rebeca Correia

No futuro, quando os biógrafos da cena local forem situar a terceira onda do rock natalense (netos da época das domingueiras psicodélicas do Impacto Cinco, filhotes tardios do Mangue Beat, Raimundos e General Junkie, aditivados por Los Hermanos, Radiohead e o boom do indie via web) certamente haverá um capítulo de honra para o SeuZé. Desde 2003, quando eclodiram nos palcos locais misturando blues, xote e o Nordeste setentista de Alceu Valença e Zé Ramalho, a banda só acumulou conquistas: tocou em praticamente todos os palcos de Natal, gravou à ferro o hit “Sai Galada” na memória musical da cidade, gravou um álbum de estreia (Festival do Desconcerto) que rompeu as barreiras locais e chamou a atenção da finada revista Bizz e de outros veículos dos grandes centros, tocou em pé de igualdade com os headliners em duas edições do Festival MADA (levando até torcida organizada), foi a banda mais querida do Setor II da UFRN e chegou até a agitar uma matinê em um acampamento do MST. O ritmo acelerado durou até 2007, quando cansados de tocar sempre nos mesmos palcos entraram em hiato forçado – o que provocou troca de integrantes, desinteresse de parte do público e quase os levou ao ostracismo precoce.

Após uma tentativa frustrada de lançar uma série de EPs conceituais, o SeuZé ensaia um retorno definitivo com o álbum A Comédia Humana, cuja festa de lançamento excedeu em mais de 100% a lotação do bar Sgt. Pepper’s, onde o show foi realizado no início de agosto. Na crista do sucesso, O Inimigo chamou o baixista e vocalista Lipe Tavares e o vocalista e guitarrista Fell para tomar umas cervejas, comer uma porção de camarão no alho e óleo e bater um papo sobre a história de altos e baixos da banda, processo de composição e planos futuros.

[Hugo Morais] – Vocês iam lançar uns EPs e depois juntar tudo em forma de álbum. Chegaram a lançar A Comédia Humana: Solidão. Por que a idéia não continuou?

[Fell] – A gente ia lançar quatro sub-títulos e depois lançar todos eles compilados num produto só. Mas aí a gente começou a compor as treze músicas e resolveu juntar logo tudo.

[Lipe Tavares] – E o legal é que era mais fácil de viabilizar cada disquinho desse do que juntar grana para gravar um disco com todas as músicas. Mas a gente sentiu falta do impacto que um material desse causa em relação aos EPs. Porque eram discos em envelope de papelão, arte bem feita, mas não causou o impacto do primeiro disco da gente. A gente acredita no disco tradicional mesmo.

[Hugo] – Não lembro quem comentou com a gente, mas foi alguém que hoje é melhor lançar EPs porque são poucas músicas. E diante de tanta informação fica mais fácil de assimilar as músicas em pequenas quantidades.

[Fell] – Eu só acho ruim quando o cara ouve e não sabe nem o nome das músicas. “Toca a 5 do disco novo”. Termina assim, né?  Antigamente, no vinil, era mais fácil de conhecer o disco todo porque não podia trocar de faixa em faixa.

[Alexis Peixoto] – Mas vocês acham que ainda vale a pena nadar contra essa corrente e lançar um álbum com encarte e tudo mais?

[Lipe] – Na verdade a gente ainda está experimentando. Eu fiquei pensando se valia a pena investir uma grana na prensagem. Ou se valeria mais investir em circulação.

[Fell] – Nesse disco a gente conseguiu reduzir o custo da gravação…

[Lipe] – É, mas da prensagem não tem como baixar nem a pau. Ainda assim, a gente ainda acredita que vale a pena.

[Fell] – Eu particularmente gosto de abrir encarte. Acho que ainda é um diferencial. Gosto de ver as letras, saber quem compôs… Mas isso eu to falando como alguém que tem banda, que compõe, que se interessa por essas informações.

[Alexis] – Talvez o interesse fique mais restrito a quem tem banda ou trabalha com música de alguma forma. Porque tem cara que se contenta em baixar a música sem saber quem tocou o que, quem escreveu as letras…

[Lipe] – Curiosamente, o público que compra nosso disco é o público que baixa na internet. É o mesmo pessoal que participa lá das redes sociais, que comenta…

[Fell] – A gente sente a diferença quando lança um disco. No Orkut, no Twitter, bomba muito mais.

[Alexis] – Falando em rede sociais, acho que o Seu Zé foi uma das bandas de Natal que mais se beneficiou das redes sociais. Eu lembro que no auge tinha a comunidade da banda no orkut e cada integrante tinha sua própria comunidade.

[Fell] – Eu deletei a minha (risos). Tinham uns caras que entravam e falavam muita merda. Aí resolvi fazer a comunidade “Sai Galada” e deixar ela para se alguém quisesse falar alguma coisa diretamente pra mim.

[Alexis] – Mas como vocês se beneficiaram dessas ferramentas?

[Fell] – As redes sociais foram boas para aproximar as pessoas da banda, saber quem é cada um. Lembro que o Orkut de Lipe bombou total na época que a gente lançou o Festival do Desconcerto.

[Lipe] – A gente usou para fazer um banco de dados bem legal, um banco de e-mails que a gente tem até hoje. Na época do Orkut quem teve o insight pra isso foi Brunna [Brok, ex-produtora do SeuZé] e na época que ela saiu já estava tudo pronto. E foi na época que foram surgindo outras coisas, Facebook, Twitter. Mas realmente é uma das principais formas de divulgação da gente.

[Alexis] – E isso gerou aquela coisa da galera ir com a camiseta pro MADA: “Vou ver Seu Zé no MADA”.

[Fell] – Aí foram as campanhas que a gente fez. Uma que a gente precisava ir pro Ceará Music e tinha que viabilizar como. E uma maneira que a gente encontrou de não ter custo para a banda foi juntar as pessoas e fretar um ônibus. E conseguimos fazer isso. No MADA a gente fez camiseta, mas foi parte de todo um lance de montar estande para mostrar as coisas da banda, etc. E fizemos a camiseta para criar o apelo na hora do show, chamar atenção mesmo.

[Hugo] – Vocês são uma banda que sempre tiveram um público muito específico. E entre o primeiro disco e esse novo, vocês deram uma parada, trocaram de baterista. Como é que foi, havia muita cobrança por parte do público?

[Lipe] – No começo o pessoal cobrava, mas depois esqueceram rápido. Recebíamos e-mails muito esporádicos. A banda deu uma morgada depois de 2007. Até 2006 tinha um ritmo legal de show, tocando todo final de semana. A gente apareceu demais naquele momento, repetia show no mesmo lugar, ficou meio chato. Aí aconteceu que Brunna saiu, pouco tempo depois Xandi saiu, a gente tentando fazer material pro novo disco… Aí foi um baque geral. Todo mundo saindo de universidade, começando a trabalhar… Até a gente se situar foi meio barra.

[Alexis] – Então não foi uma coisa planejada.

[Lipe] – Foi não, foi não.  Mas a gente tinha consciência que precisava dar um breque, pelo menos aqui em Natal. Ficava tocando sempre nos mesmos lugares. Todo fim de semana tocava no Budda e 90% do repertório era repetido. Era uma merda.

[Fell] – Uma vez eu estava num bar e um cara me abordou: “Pô, tu é daquela banda SeuZé. Cadê vocês, vocês sumiram…”. Mas a gente não tinha sumido, tava compondo. Eu até comentei com Lipe que tínhamos que compor músicas melhores do que as que a gente já tinha. Então, todo mundo ficou se cobrando e a banda acabou ficando um tempo sem produzir. Até que começamos a transpirar mais que se inspirar, a compor mais em casa mesmo, cada um [por conta própria]. Aí é que começou a sair uma música ou outra.

[Alexis] – Essa parada forçada de vocês gerou uma coisa curiosa. Vocês tocaram dois anos seguidos no MADA e pela resposta do público, era como se fosse o headliners Me lembro de um ano que o show de vocês parecia que era o Paralamas tocando, a galera cantando, não sei o quê. E alguns anos depois, em 2008, vocês participaram da seletiva Radar Indie do MADA, com votação popular e não levaram.

[Lipe] – Naquela situação a gente já tinha perdido o pico. E chegaram a comentar que a gente não precisava participar daquela seletiva.

[Fell] – A gente sentiu que [a seletiva] era uma oportunidade para mostrarmos coisas novas. Só que naquela ocasião, as coisas novas se resumiam a três músicas.

[Lipe] – A gente participou, mas internamente nem achava que merecia.

[Fell] – A gente foi principalmente por que não concordava com o que comentavam, de que a gente não precisava concorrer para garantir a vaga. É aquela coisa: às vezes quando você tá do lado de dentro de um negócio, você não percebe a dimensão [que aquilo tem]. Então, para a gente não tinha isso de “não precisava participar”. O que a gente queria era mostrar as coisas novas.

[Alexis] – Foi um lance meio Seleção Brasileira. Vocês entraram na competição como a favorita, mas…

[Lipe] – Foi, exatamente. Mas não é rasgação de seda e nem conversa fiada, mas eu acho que a gente não merecia entrar [no festival] naquele ano. Não tinha nada novo. Três músicas novas, uma versão de Chico Buarque. Ia mudar pouco em relação ao show do ano anterior. A gente já tinha até tomado a decisão de não participar do MADA. Mas fazia tanto tempo que [a banda] não tinha repercussão que resolvemos nos inscrever na seletiva. Se rolasse, era mais um motivo para tentar circular de novo.

[Alexis] – No meio dessa confusão interna toda, falem mais um pouco sobre o processo de composição. Iam ser vários EPs, cada um com um tema, mas acabaram compondo logo as treze faixas…

[Lipe] – Seriam vários discos, cada um com um tema. O primeiro foi Solidão, o próximo seria Loucura. Só que a gente tinha as músicas prontas e não conseguia encaixar em nenhuma temática. Ia ser forçar a barra, não valeria a pena colocar. Foi aí que a gente desistiu desses quatro discos separados e decidiu jogar tudo em um contexto só, que é A Comédia Humana. Em relação à composição, até quem não acompanha muito o Seu Zé dá para perceber que [o novo álbum] muda muito em relação ao primeiro disco, que tinha aquela coisa regionalista, trabalhava com poesia regional, o próprio linguajar, timbres. Mas mesmo nesse primeiro disco a gente trabalhava com outras referências que não o regional, foi um disco meio indeciso. E eu acho que esse trabalho agora é a oportunidade de conhecer o outro lado do primeiro disco. Apesar de sermos rotulados como uma banda que faz rock regional – e a gente buscou isso na época- mas eu acho que nesse disco tem ecos do outro lado do primeiro disco. Outra coisa é que a gente tem muito problema em ter parceria interna. Não tem muita afinidade, não consegue render. Geralmente eu levo alguma coisa quase pronta e Fell arranja, eu também. E tiveram muitas parcerias nesse disco. Música feita por e-mail com Luiz Gadelha, duas músicas a gente fez assim.

[Fell] – Adailton [ Figueiredo, professor de História em cursinhos] me passou uma letra e eu botei a música. Agora também tem uma coisa que acontece no primeiro disco de cada banda. O primeiro é o disco que você teve a vida toda para fazer. O próximo você vai ter que produzir em um intervalo de 12 a 24 meses, para ficar em um período bom. Então você já tem prazo. Por exemplo, “Artemis” uma música do nosso primeiro disco que a gente lançou em 2005, eu compus em 2000. Depois a gente viu que às vezes compor é mais transpiração do que inspiração.

[Hugo] – Falem um pouco das outras parcerias desse disco novo também. Da proximidade com outras bandas, se tem contato com elas.

[Lipe] – A gente é bem relacionado. [risos]

[Fell] – Adailton foi professor da gente. Começamos a participar dos aulões dele e ele tinha essa vontade de fazer uns textos e transformar em música. Fizemos uma parceria com ele no primeiro disco que foi “A Viagem” e rolou no segundo porque foi uma coisa despretenciosa mesmo. Tanto é que ele me deu uma letra, eu fui para uma Feira da Música e fiz em um quarto de hotel.

[Lipe] – Geralmente parceria acontece por proximidade. No caso de Luiz Gadelha eu não conhecia ele. E um dia resolvemos trocar material e nos aproximamos. Eduardo Pandolphi era colega de Fell na escola. E numa dessas ele falou que tinha mandado uma música nossa para Camila [Masiso, cantora] e ela ia gravar. Ele falou que a música que nós gravamos em rock parecia um samba. Aí eu tinha um monte de coisa que daria samba porque não se encaixava no SeuZé. Numa dessas eu mandei uma música, ele tentou encaixar um letra e rolou uma coisa que não tem nada a ver com samba. E serve para terminar muita coisa inacabada. Eu tenho muito esboço de melodia. E foram essas coisas que eu mandei para Luiz Gadelha e ele mandou pra mim também.

[Fell] – Eu e Lipe temos uma coisa que quando ele me mostra uma melodia eu já consigo imaginar a música, a banda tocando aquilo ali. E Telo [baterista] e Augusto [guitarrista] ajudam muito, eles conseguem criar mesmo. Nada chega completamente pronto. Tem música que eu comecei que ficou completamente diferente. Porque ela ganha outra conotação apesar da melodia ficar a mesma.

[Lipe] – Essa questão de autoria é muito complicada. Geralmente autoria é melodia e letra.

[Fell] – Outra coisa que tem em encarte de CD, o produtor musical. Eu também gosto de ver. O Kassin, que é o produtor musical do disco Ventura do Los Hermanos é o mesmo de Vanessa da Mata do disco Essa Boneca Tem Manual, acho que é esse disco. Eu acho que aqueles discos tem muito o dedo dele, de saber o que vai soar melhor.

[Lipe] – A Faixa 13 do disco da gente, “De Passagem”, surgiu no estúdio. Eu tinha uma base, um texto, mas nunca tinha montado um arranjo legal. Faltavam duas horas para acabar a sessão de gravação de bateria e eu perguntei se íamos gravar ou não. A gente montou a música no estúdio com Ticiano ['Damore, guitarrista do Macaxeira Jazz]. Eu diria que tem 40% dele na produção dessa música.

[Hugo] – E depois dessa volta, quais são os planos agora em diante?

[Lipe] – Pra frente o principal objetivo é dar uma circulada fora. Claro que a gente perdeu um pouco o foco que tinha, voltar a repercussão que a gente tinha aqui. Mas o foco é tocar fora. Vamos tocar na Feira [da Música] em Fortaleza e estamos começando a ter uma abertura para festivais fora. Vamos mandar material. Temos pré-contato para tocar em João Pessoa, Campina Grande, Recife. Tudo dependia desse material novo. A gente não queria sair com material antigo e depois voltar com tudo completamente diferente. Todo mundo tem trabalho convencional, trabalhamos em horário comercial. Eu e Telo tocamos em outras bandas no fim de semana, Augusto trabalha em escala de madrugada. Acontece de quando eu tenho três semanas livres eles não têm e o contrário também. A gente está pensando em trabalhar com substituto. Pegar um guitarrista e um baterista de confiança e se aparecer um show bacana na hora já tem um cara na agulha.

[Hugo] – Nos créditos do novo disco, tem um agradecimento à Rede Potiguar de Música. E aí, isso já está rendendo algo para vocês?

[Lipe] – Eu confesso que fiquei mais empolgado no começo. As primeiras reuniões foram bem promissoras. Na minha ótica a Rede tem que planejar em longo prazo, mas também fazer ações práticas. Rola muita discussão que a Rede não é promotora de eventos, que tem que planejar em longo prazo, que tem que ter sustentabilidade de artistas, direitos de música. Mas no momento que passa muito tempo planejando e não faz nada prático vai morgando.

[Hugo] – Será que não é porque tem muita gente envolvida e não tenha um “cabeça” pra coordenar as ações?

[Lipe] – O conceito de “rede” leva a entender que [os gestores] seriam várias pessoas do segmento. Agora eu acho que esse formato pode até funcionar, desde que se estabeleça o que se vai fazer em longo prazo. Trabalhar até mesmo em termos de legislação, sei lá. Mas fazer também coisas a curto prazo.

[Alexis] – Vocês falaram que nesse disco novo as pessoas vão ouvir o outro lado da banda. Que outro lado é esse?

[Lipe] – A gente gosta muito de canção, da música que tenha uma melodia que pegue. Talvez seja uma interseção entre uma MPB mais setentista – que a gente tem muita influência em termos de harmonia, acordes – e também de música britânica. Aí tem muitos momentos de Muse, Coldplay. Tem um cara que eu me dei conta que eu estava colocando muita coisa dele nas minhas músicas que é o Glen Hansard, de uma banda irlandesa chamada The Frames, um som meio Britpop.

[Alexis] – Ok, mas se já havia esse outro lado por que o primeiro disco saiu com aquela cara tão regional? Foi uma escolha de vocês?

[Lipe] – Rapaz, foi. Na verdade as três primeiras músicas que a gente compôs tinham essa cara bem regionalista.  No começo da banda mesmo a gente era vidrado em um disco de Jorge Cabeleira [e o Dia em que Seremos Todos Inúteis], o Alugam-se Asas Para o Carnaval. Eles trabalhavam muito com a dualidade Deus e o Diabo e tal. Aí, a gente também ouvia Alceu Valença. E quando a banda começou a gente já tinha duas músicas prontas, que tinham muito a ver com essa temática. Ok, a gente tinha umas músicas prontas, mas e o nome da banda? Aí é que a gente foi tentando criar uma imagem regionalista de propósito com toda uma simbologia. Até a logomarca que eu pedi pro designer fazer. O figurino dos primeiros shows era bem estereotipado mesmo, até de cangaceiro a gente tocou. Só que eram as três primeiras músicas. E fomos compondo outras coisas e não tinham nada a ver com o Nordeste. A gente vendeu a imagem de uma banda que fazia rock regional, só que quando a gente fechou o repertório do disco, o regional era menos de 50%. Mas a simbologia em torno da banda já estava toda formada.

[Alexis] – Isso gerou até uma resenha desabonadora de Hugo Montarroyos, do Recife Rock, sobre o show no Festival DoSol… [N. do E.: Sobre o show da banda no Dosol 2006, Montarroyos escreveu: "(...) Mas indigesto mesmo é o SeuZé. De uma forçada de barra que beira os limites da pseudoantropologia. Trata-se de um atestado definitivo de falsificação ideológica: rapazes de classe média-alta bancando os jagunços famintos. E o discurso sonoro é ainda pior. Tentam misturar metal com sertão, resultando numa dialética da “caveira com maxixe” que simplesmente não cola. Tudo parece milimetricamente calculado para soar como “a banda dos intelectuais modernos que valorizam o nordeste a partir de sonoridades pesadas” (...) Sério candidato a pior show do festival"].

[Lipe] – Mas também aquele show foi uma bosta. Se criou uma expectativa muito grande em torno do show, porque naquele ano Foca organizou umas palestras e veio o pessoal do Recife Rock, Paulo André, pessoal da Inker. E uma série de exemplos que foram usados para falar de bandas eram relativos ao SeuZé por causa do show do MADA. Então criou-se uma expectativa. Mal executado, o som estava ruim, não tinha nada de novo. Eu acho que a crítica de Montarroyos foi bem… (pausa breve)… Por mais que eu tenha ficado puto, foi bem justa.

[Alexis] – Em determinado momento ele falou até que vocês eram uns caras da cidade querendo bancar os cangaceiros, fazendo música regional…

[Lipe] – Ah, isso eu não acho argumento válido nem a pau. Quer dizer que não existe representação em música? Só pode falar do que você vê, não existe literatura não? Agora, o que eu acho é que a gente estava compondo sobre Nordeste numa época que isso já estava começando a ficar extremamente batido. Ninguém aguentava mais. Existiam uns ecos de Mangue Beat, que nem tinha esse apelo descarado, era uma coisa mais discreta. Mas a gente tava compondo e divulgando nossas músicas num momento em que não existia mais essa onda.

[Hugo] – Uma coisa que eu percebi nesse disco novo é que tem uma música mais animada [“Só Pra Conversar”], o resto é mais calmo. Eu remeti ao primeiro EP que chegou a ser lançado que foi Solidão. O disco ficou com essa cara do primeiro EP?

[Lipe] – Conscientemente a gente tentou fazer música depressiva. A gente estava sentindo falta de gravar um disco que fosse legal de ouvir em casa, que o pessoal que gosta da banda também gostasse de escutar em casa, mas o show podia ser uma bosta. A música que você deve estar falando é “Só Pra Conversar”. Essa foi uma música feita conscientemente mais pra cima pensando no show. Só que teve uma hora que não rolou, a gente não conseguia mais fazer.

[Fell] – Já uma música como “Até”, que tem um apelo emocional mais forte, tem uma guitarra com mais presença. Outra música, “A Janela”, tem uma melodia mais pegada pra emoção. A música sugere um suicídio, mas não deixa isso tão claro. Foi uma música que eu fiz a partir da trilha de um filme que Bruno Marques me convidou pra fazer. Eu fiz a trilha inicial, fiz uma melodia tão legal que não quis perder. E o resultado do filme não foi o que o próprio diretor queria.

[Rebeca Correia] – Mas será que isso não tem a ver com maturidade também? Com o passar dos anos, de novas experiências…

[Lipe] – Eu não sei, porque eu acho que as músicas mais down são geralmente as minhas.

[Fell] – Eu a cada ano que passa fico mais boy. Vou ser aquele coroa deslocado nas festas de rock. [risos]

[Lipe] – Eu tenho dificuldade de compor música que não seja em acorde menor e isso já leva a uma introspecção, a um clima down. Eu acho que serve pra gente se situar também. O fato das músicas serem mais pra baixo quer dizer que a gente não vai poder tocar na noite normal do Festival DoSol. A gente tocar junto com as bandas com andamento extremamente pra frente vai fazer o show ficar deslocado. Serve até para escolher para qual festival vamos mandar nosso material, que veículo. A gente se situa a partir daí. Mas que a gente se preocupou, se preocupou pra caramba. Tentamos colocar umas músicas mais pra cima, pra equilibrar, para entrar em outros eventos, mas como não rolou é hora de trabalhar o que a gente tem.

[Hugo] – Vocês falaram de tocar nos mesmos lugares. Sentem falta de locais diferentes?

[Fell] – Sim, apesar de que com todas as dificuldades, nós somos uma das únicas bandas que conseguem tocar recebendo cachê tocando música nossa, 50% do repertório ou mais. E pra gente isso é uma vitória. Eu acho que a gente deve isso a fazermos boas músicas e insistirmos. E as músicas que não são nossas a gente rearranja.

[Lipe] – Eu acho que tem a ver com o que a gente colheu no início da banda. A gente sempre quis tocar música própria, as pessoas foram chamando, nosso som é esse, é autoral. Se rolar a gente se insere. Se a gente tocar duas horas, uma hora e meia é de música nossa. Os locais se repetem muito, mas isso também não é desculpa para as bandas deixarem de tocar. Tem muito lugar inusitado que dá para tocar. Lugares que não são próprios para show eu acho muito massa.

[Alexis] – Já teve algum lugar inusitado onde vocês tocaram?

[Lipe] – Um assentamento dos sem-terra em Ceará-Mirim. Foi uma loucura. Eu não lembro como foi o contato, acho que foi Brunna. A gente tinha uns forrós no repertório da banda, umas coisas de Luiz Gonzaga, as coisas nossas que tinham esse apelo mais regional. Mas acabou o repertório e a gente começou a tocar os rockzão. E era interessante, os caras dançando forró brabo mesmo e a gente tocando rock.

[Fell] – E tem uma curiosidade também. Xandi botou os tons da bateria e não tinha as garrinhas para segurar os microfones. E eles [os Sem-Terra] não aceitam você chegar e dizer que não vai dar. Vai dar. “A gente vai dar um jeito”. O cara pegou um cano, esquentou até amolecer para poder fazer um furo e botar o microfone dentro. No meio do show aquela porra caiu. Depois uma mulher serviu um arroz num panelão. Gostoso, apesar desse filho-da-puta ( aponta para Lipe) não ter comido, cheio de frescura, era melhor que na casa dele. Depois a gente voltou numa Kombi.

[Lipe] – A gente tinha uma preocupação naquela época porque a gente era conhecido como banda da UFRN, que tocava no Setor II, aí o pessoal confundia muito as coisas. Pensava que a gente era ligado ao DCE, ao PT. A gente inclusive teve um percussionista no início da banda que tocava com o boné do MST. E a gente: “Bicho, tira esse boné que a gente não quer assumir bandeira política não. Ainda mais do MST”.

[Alexis] – Pra finalizar eu quero fazer uma última pergunta, mas não sei se pode falar…

[Fell] – Pode, pode…

[Alexis] – Queria que vocês contassem a história por trás do hit “Sai Galada”. Se tem uma história por trás disso…

[Fell] – Tem sim. “Sai Galada” foi desavença amorosa. Aí a forma de se vingar foi fazer uma música. E tem um amigo nosso que veio com a história do brinde, um brinde malhado que a gente fazia. Aí eu botei no meio, ficou presepada. Inclusive a idéia era chamar os amigos nossos que tomam cana para gravar a reza no estúdio, mas na hora do corre-corre não deu para sair. Eu fiz [a música] no escritório do meu pai. Trabalhava como Office boy. Tinha dia que não tinha o que fazer, eu puxava o violão e ficava tocando. Fiz numa lapada só.

[Lipe] – Agora isso é foda. Porque a gente podia ter gravado ela nesse CD. E a galera pede no show.

[Fell] – No MADA, dá pra ver na gravação, muita gente gritando: “Sai galada!” Uma vez Eduardo Pinheiro marcou uma reunião para falar da banda. Sobre investir na banda, ele achava que a banda tinha um futuro, e que a gente tinha emplacado uma música, poucos conseguem isso. E falou que Fagner, Roberto Carlos, até hoje tocam certas músicas e que a gente tinha que tocar “Sai Galada” sempre. A gente chegava em um bar, pediam. E a gente já melado, tocava. A gente chegou a tocar em todos os shows. Começamos a inovar, no meio da música eu declamava uma poesia, fazia umas presepadas, sempre tinha que ter uma presepada pra mudar um pouquinho. Cansa. Mas pra quem toca não cansa não.

[Lipe] – Cansa, viu? (risos)

[Alexis] – Mas e a galada em questão, repercutiu?

[Fell] – Não, morreu. Eu tenho uma música chamada “Artemis” que ainda é da outra banda que a gente tinha. E um cara da outra banda me perguntou quem era ela. Eu disse que não era da conta dele. (risos) Matei ele na unha, a banda acabou e eu nunca disse.

[Lipe] – Mas você vai revelar para O Inimigo?

[Fell] – Que inimigo? Tenho inimigo não, rapaz. (risos)

Década de 80 e 90. Muitas lojas de música, com muitos vinis e fitas k7. Os CDs começavam a chegar, pelo menos pra mim. O LP naquela época era algo caro, muito caro. Na verdade era o mesmo preço que um bom CD custa hoje. E como sempre diz o guru Vlamir Cruz, vulgo Mister Mu, o álbum era o fim, não o começo. Pois hoje com a facilidade das gravações [você já leu, ouviu muito isso e vai continuar lendo e ouvindo] o CD se tornou tão banal que tem banda que lança tudo virtual. Afinal, festivais, público e imprensa já se acostumaram a ouvir tudo em MP3. Epa, todo mundo não. O Inimigo ainda prima pelo CD, pelo LP e vá lá, pela fita K7, se tiver um deck bom e uma fita sem mofo, sempre ao lado de uma bela cerveja gelada e uns petiscos.

Mas o que leva as bandas a gravar um vinil nos dias de hoje? Difícil explicar. Talvez o fetiche da própria banda em possuir uma mídia que idolatrava outrora. Talvez o fetiche do público em ter aquele material raro. Já que, até que se prove o contrário, vinil não é pirateável. Talvez seja  a preocupação da banda com o bem estar do ouvinte, algo relacionado a saúde, já que o indivíduo tem que levantar pra trocar de música, levantar pra mudar o lado, bater perna em lojas geralmente no centro da cidade em busca de agulha nova, ou seja, fazer um exercício.

Gravar LPs e Compactos, algo comum na Europa, aqui no Brasil tem se tornado uma bela constante, muito pela volta da Polysom e pela volta da venda das radiolas. Umas até convertem o som do LP em MP3, uma heresia para muitos. Surfando nessa onda, quem acabou de lançar um 7″ homônimo foi a banda The Renegades of Punk, de Sergipe, formada por Daniela [guitarra e voz], Ivo [bateria e voz] e João Mário [baixo e voz]. O disco foi lançado pelo selo alemão Thrash Bastard. A idéia era lançar material inédito, mas Andreas, o homem a frente do selo, preferiu transformar o primeiro EP da banda, lançado em 2007, em vinil. Idéia aceita, 500 cópias foram feitas. E a primeira leva a chegar a Aracaju já esgotou, deixando gente na lista de espera. Prova de que muita gente gosta do Renegades e que vale a pena investir na bolachinha.

Uma pena é saber que essa procura não resulta em público nos shows. Para Daniela, um público de 50 pessoas num show punk em Aracaju é sucesso. “A “cena” está estagnada, meio sem perspectiva. Cada vez pior pra fazer show e público quase inexistente. Na realidade eu falo de “cena” de uma forma geral mas principalmente do que eu faço parte. Cena punk aqui é algo quase que virtual. É óbvio que tem bandas e pessoas correndo atrás, existem exceções, mas no geral tá muito ruim. Falo isso porque transito nesse lance de bandas, shows e “cena” há praticamente 10 anos. Não temos muitas bandas, não temos lugar pra shows e etc etc”.

O Renegades tem uma história de letras voltadas para o comportamento humano, algo que vem da época do Triste Fim de Rosilene, banda onde tocavam Ivo e Daniela. Se antes ela achava que toda música relevante tinha que passar uma “mensagem”, hoje já não é assim. “Há um tempo atrás eu achava que toda música relevante tinha que passar algo, hoje não penso mais assim. Mas por outro lado não consigo escrever sem pôr ali algo que eu quero falar. Algo que eu quero expressar sobre alguma situação. A diferença é que hoje em dia não me obrigo a ser “política” nas letras, tento deixar fluir mais. Mas como eu sou eu, sempre acaba rolando isso da letras serem meio temáticas, talvez mais cínicas”.

Para quem acha que lançar um vinil é algo do outro mundo, o contato para lançar o disco  pelo Thrash Bastard se deu por e-mail com Andreas. Ajudou o fato do selo ter lançado outras bandas brasileiras como Futuro [ex-B.U.S.H.] e Discarga. Só não conversaram, ainda, sobre uma possível tour européia, já que muitos discos serão distribuídos por lá e a possibilidade existe. Já a tour brasileira, ou nordestina, deve acontecer em 2011. No apagar de 2009 o trio sergipano passou  por Natal e algumas capitais nordestinas, chegando a Mossoró, sempre amparada pelo Mahatma Gangue. Enquanto a nova tour não chega, o trio prepara material novo e  Daniela segue ouvindo suas fitas k7, CDs e vinis, que vão de B-52′s até Bikini Kill.

Os dias 31 de março e primeiro de agosto foram escolhidos pela equipe de surf mossoroense Mahatma Gangue para a gravação do álbum Surf e Destrua. Todo o processo foi gravado no estúdio de Vini [Drive Out] com o auxílio de Dante e Henrique “Geladeira”, ambos integrantes da banda Calistoga. A banda chegou numa sexta chuvosa a Natal e no sábado de manhã, pouco antes de irem para o estúdio, tiveram a surpresa de ter o carro onde iam de carona, com o tio de Pedro [vocal e baixo do Mahatma], acertado em cheio na traseira por um Micro-ônibus que ia para São José do Mipibu. As madeixas de Pedro ficaram com pedaços do pára-brisa traseiro e Ingrid teve o rosto acariciado pelo braço de sua guitarra. Pra completar o fim-de-semana as avessas, na sexta a noite uma guitarra e a pedaleira de Geladeira foi roubada de dentro do carro de Vini, na Rua Chile. O processo de gravação durou 11 horas e ainda em agosto o trio espera que se conclua a mixagem do disco para soltar a bolacha dentro de no máximo dois meses. Primeiramente em CD, mas depois um vinil também será prensado.

Assista o vídeo da gravação de Surf e Destrua abaixo.

O Planant é uma banda nova de Natal. Os integrantes começaram o esboço do que é o som deles no início de 2009. Eles apostam numa sonoridade de guitarras fortes e ao mesmo tempo pop com letras na língua inglesa. Um som que muitos tem medo de fazer, já que o termo pop para muitos soa pejorativo, quase um insulto. Deve ser justamente por apostar nessa fórmula que a banda ganha público e foi uma das primeiras anunciadas no MADA 2010. O grupo tem  na formação três integrantes que já possuem experiência em outras bandas:  Cris Botarelli, ex-Eletrobilhar; Fausto Luiz, ex-Barbiekill; e Lauro Kirsch, ex-Claudia’s Parachute (MT), ex-Dragsters (MT) e ex-Venice Under Water (RN). O guitarrista e vocalista  Rodrigo Takeya é o estreante e responsável pelos vocais que remetem a Bono Vox e seu U2.

Assista abaixo entrevista com os integrantes e baixe o disco no myspace da banda.

Não faz muito tempo uma turma de cantoras surgiu para dar um novo ar a tal MPB. Vieram com a influência do samba e acrescentaram pitadas de música eletrônica, música regional. Deram uma roupagem mais moderna ao estilo tão associado a imagem do Brasil, que se possui cantores tão fortes, também tem suas divas: Dona Ivone Lara, Jovelina Pérola Negra, Alcione, Beth Carvalho, Leci Brandão e muitas outras. A mesma coisa na Bossa Nova, na Tropicália, na Jovem Guarda. Mas e na música Pop brasileira? Sou sincero em dizer que não lembro de alguma cantora de nome forte. Rita Lee? Talvez. Mas isso está mudando.

Enquanto as tais “novas divas” do Samba revitalizavam o estilo, também começavam a vir a tona outras cantoras que não se enquadravam no gênero. Estavam espalhadas por outros movimentos musicais, puxando até para uma sonoridade mais pop, tão em falta. Mas em 2010 três bons discos foram lançados. As artistas? São elas: Karina Buhr, Lurdez da Luz e Tulipa Ruiz.  A primeira de Recife, as outras de São Paulo.

Tulipa que se apresenta como cantora, compositora e desenhista (ela faz desenhos para livros infantis, agendas, capas de discos e cartazes de shows) tem o viés mais pop das três. O disco foi gravado em forma de banda, não como uma cantora com banda. Dessa maneira os músicos tiveram grande influência na textura das canções que embalam a voz doce que me remeteu a de Gal Costa. Seu disco Efêmera, de passageiro não tem nada. O disco é um dos melhores do ano. E ela vem ganhando força com matérias em revistas tão distintas como a Criativa e Trip, ou em jornais como O Globo e Jornal do Brasil.

Tulipa conta com o pai e irmão na sua banda, Luiz Chagas e Gustavo Ruiz respectivamente. E eles também tocam com ela na Pochet Set. Essa convivência familiar só pode ajudar. O que chama a atenção da cantora é difícil precisar. Talvez a voz doce, talvez as letras simples, mas bem construídas e que não caem na mesmice. Talvez a já citada banda que a acompanha, que é ótima. Talvez a despretensão com que as músicas são feitas, que ao mesmo tempo dão um ar simples e  sofisticado. Tudo isso torna a música pop, com tudo que existe de melhor na conotação. Tanto que a moça de 31 anos vem abrindo shows para cantores elogiados como Otto e mesmo assim conseguido chamar bastante atenção por onde passa.

O disco de estréia tem 11 músicas. Todas são boas, mas destacam-se “Só Sei Dançar Com Você”, “Do Amor”, “A Ordem Das Árvores” e “Efêmera”. Não é surpresa se a exposição a leve dentro de pouco tempo a programas de televisão dos canais abertos. E hoje isso é bem necessário, o domínio de gente como Ivete Sangalo, Cláudia Leitte e até Sandy, que renasceu das cinzas, doem os ouvidos.

A The Baggios é uma banda sergipana. Um duo composto por guitarra e bateria. Respectivamente Júlio Andrade e Gabriel Carvalho. A banda nasceu em 2004, na cidade histórica de São Cristóvão. Tem a peculiaridade de ser formada por apenas dois integrantes: Julio Andrade (guitarra e voz) e Gabriel Carvalho (bateria). A dupla bebe pincipalmente do Blues, mas passeia também pelo Rock e Garage. As letras são simples e o som direto, sem firulas. A dupla já se apresentou em festivais como Big Bands (SSA), Música para todos os ouvidos (SSA), Projeto Verão (SE), Festival Mundo (JP), Festival Dosol (RN), Feira Noise (BA), fez uma turnê de 6 shows pelo Nordeste e acabou de fazer uma turnê de 7 shows pelo estado de São Paulo e está em fase final de mixagem do seu Disco Oficial.

Para baixar o disco, clique na capa.

01. O Azar Me Consome

02. Can’t Find My Mind

03. Canção dos Velhos Tempos (Jam Version)

Ficha Técnica

Júlio Andrade: Guitarras e voz

Gabriel Carvalho: Bateria

Fotografia por Snapic

Arte Gráfica por Júlio Andrade

Mixado por Léo Airplane e Júlio Andrade

Faixa 01: Gravada no Estúdio C4, São Paulo-SP, em março de 2010

Faixa 02: Gravada no Estúdio Caranguejo Records, Aracaju-SE, em fevereiro de 2010

Faixa Bônus: Gravada ao vivo no Estúdio DdB. Participação de Igor Cortês tocando flauta. Aracaju-SE, maio de 2009

Good Days Have Come agrada quem gosta do blues tradicional, mas também que gosta de rock e de pop. Felipe Cazaux passeia pelos estilos sem preconceito, unindo o que há de melhor nos três, ou seja, não vulgariza seu som para agradar. É blues com personalidade, fruto de quem já tocou pelo Brasil, Argentina e se apresentou em casa tradicionais de Blues em Chicago.

Leia Matéria aqui.

Baixe o disco clicando na capa.

01. Good Days Have Come

02. The Blues Never Lie

03. Never Forget

04. Made Of Gold

05. Hello

06. The I’ll Do

07. Bad Dreams

08. Moving On

09. Bluesman On The Beach

10. Hey Mr.

Ficha Técnica

Felipe Cazaux – Guitars and vocals

Klaus Sena – Bass

Beto Gibbs – Drums

Netto Kráula – Drums on tracks 07, 09 and 10

Regis Damasceno – Acoustic Guitars on tracks 04, 05, 08 and additional guitar on track 04

Vasco Faé – Vocals and harmonica on track 03

Guilherme Guizado – Trumpet and horns on track 03

Recorded by Yuri Kalil at Totem Estúdios on june 03, 04 and 05 of 2009

Recording Assistant – Gabriel Soster

Mixed by Klaus Sena, Yuri Kalil and regis Damasceno at Totem Estúdios

Mastered by Fernando Sanches at El Rocha Estúdios

Produced by Regis damasceno

All Songs composed by Felipe Cazaux

Cover conception by Klaus Sena

Art design by Daniel d-.-b

Photos by Cláudio Braun

Executive Producer – Blues Time Records

Distribution – Tratore

Contato: felipecazaux@gmail.com

Felipe Cazaux é paulista radicado no Ceará, com apenas 26 anos já tem em seu currículo três álbuns gravados. Todos seguem a linha do blues, mas sempre enveredando por vertentes similares como o rock ou até puxando para o pop. Os saudosistas acham ruim? Felipe não. Para ele a diversidade do repertório atinge outros públicos e faz com que seu som viaje sem restrições, seja em solo nacional ou internacional.

Antes do terceiro álbum Good Days Have Come, Felipe gravou Looking for Trouble?! [2004, independente] e Help The Dog! [2007, Blues Time Records - Tratore]. A diferença entre o disco mais recente para os anteriores é o fato do guitarrista ter composto todas as músicas sozinho. E desta forma, mesmo sem intenção, acabou guinando o trabalho um pouco para o rock e pop. Nos discos anteriores Felipe contou com o apoio da banda, uma dupla, formada por Klaus Sena e Netto Krápula. A produção do terceiro álbum também foi superior aos anteriores, fruto da escolha de um melhor estúdio com melhores equipamentos, técnicos com maior conhecimento e experiência. Para Cazaux a sonoridade ficou mais profissional e próxima do som que costumamos escutar em casa.

Felipe também conseguiu um bom apoio quanto ao lançamento do álbum, na verdade uma relação estreitada desde a gravação do primeiro disco. Dessa forma o segundo trabalho já foi pelo selo Blues Time Records. Já a distribuição, problema enfrentado pelas bandas independentes, é feita pela Tratore. Mas Felipe não se engana, para uma boa distribuição, é necessário que o artista seja conhecido: “Para uma boa distribuição o mais importante é a divulgação do artista, pois quanto mais se fica conhecido, mais a distribuidora consegue repassar o produto”. Se ficar conhecido significa circular, Felipe não tem do que se queixar. Já passou por eventos no Ceará como Festival Ponto CE, Festival de Jazz & Blues de Guaramiranga e Ceará Music; em São Paulo na Virada Cultural, BR Blues – SESC Vila Mariana; no Rio de Janeiro no Festival Blues e Imagens – SESC Campos; no Mr. Jones International Blues Festival – Buenos Aires (Argentina) e se apresentou nos lendários clubes americanos Buddy Guy’s Legends e Rosa’s Lounge, ambos em Chicago (EUA).

Good Days Have Come tem as letras e ficha técnica toda em inglês. Produto do gosto do músico pela lingua e por ele receber contato de pessoas de toda parte. A produção ficou a cargo do onipresente Regis Damasceno [Mr. Spaceman], que vem sendo muito procurado. Felipe o procurou e não se arrependeu da experiência: “O Regis é um cara que admiro e conheço há muito tempo, e foi muito importante ter ele na produção. Ele ajudou muito nos arranjos das músicas, no controle de qualidade dos takes que foram gravados, além de ter um conhecimento vasto de todo equipamento que estávamos usando, especialmente na guitarra. Também  foi importante o fato dele já conhecer e ter trabalhado com o Kalil, técnico e proprietário do estúdio, eles se entendem muito bem e isso ajuda na hora de definir os timbres quando não dependem somente dos instrumentos, e sim de todo equipamento utilizado no estúdio”.  Todo esse controle e acabamento do produto final agradam e faz com que o músico não sinta  receio em apresentar seu blues em locais não dedicados exclusivamente ao estilo. “Tenho respostas positivas inclusive de pessoas que não gostam de blues. Não procuro me enquadrar. E o fato de a minha música ter influência de outros estilos acaba ajudando, pois geralmente agrada quem gosta de blues, de rock, de pop, etc”.

Sendo assim Felipe Cazaux já participou de Mostra de música, Festival de Blues e de Rock. Mas ele acha que desde o Help the Dog! (que já não é tradicionalmente Blues) o contato com pessoas de outros meios vem aumentando e isso vai mudando naturalmente. Ele acredita que com Good Days Have Come possa vir a participar de eventos fora do eixo do Blues pelo Brasil, como já faz há bastante tempo no Ceará. Cazaux é dos que enaltecem os festivais, não sem esquecer o primordial: a quelidade. “É bom que tenham festivais, é um ótimo meio de divulgação do trabalho. Mas acho que os Fetivais devem ter um boa estrutura, para que os músicos possam viajar e ficar tranquilos com relação ao show, pois o aproveitamento é bem melhor assim. É bom também pois consegue atingir um púlico que muitas vezes não é seu, que está lá para ver outra banda e acaba gostando do seu trabalho. Também acho importante a troca de informações entre os músicos que se conhecem pelos festivais”.

Além da produção de Regis, o disco contou com participações de Vasco Faé e Guilherme “Guizado“, outro que também tem aparecido bem nos trabalhos atuais de músicos da cena independente brasileira, além de ter lançado um disco bem elogiado recentemente. O próprio Felipe conta como foi a colaboração de ambos. “O Vasco cantou como estava lá, mas colocou a voz da forma dele, isso é bacana, pois devemos respeitar as idéias dos convidados e a forma como trabalham, o solo de gaita foi improviso dele e ficou ótimo na música, como não poderia deixar de ser. Quando chamamos o Guizado, ele fez o que o Regis já tinha pensado para a música, mas o improviso final também veio da cabeça dele, eu só disse que queria uma frase bem legal para fechar. Eles conseguiram se encaixar bem na música e o resultado foi excelente”.

Baixe o disco aqui.

Seja em sua prolífica carreira solo (três albuns em pouco mais de um ano e meio), seja no curto período em que ocupou a vaga de guitarrista no sensacional The War On Drugs, o boa praça Kurt Vile agrega algumas marcas pessoais e intransferíveis que ajudam – e muito – a entender sua maneira torta e, por vezes, errática de escrever música. Não se trata de apontar referências: é aquele lance de notar certos cacoetes, inflexões vocais ou predileções que, juntos, convém chamar de “estilo”. E isso Vile tem de sobra: uma orelhada sem compromisso em Constant Hitmaker ou no recente Childish Prodigy (de 2009, já sob a batuta da Matador Records) é suficiente para definir alguns pontos de partida na obra do cara.

O espectro de Tom Petty e do ‘boss’ Springsteen salta em primeiro plano mais de uma vez, mas o que mais chama atenção é a maneira como Vile não se deixa inibir pelas limitações técnicas para executar uma ideia. E, eis o grande barato da coisa, as ideias do sujeito sempre são meio distorcidas. Mesmo quando usa de estilos reconhecíveis, como o folk, o rock estradeiro há sempre um “algo mais” que supõe uma extensão da canção que está sendo ouvida. Estranho como possa parecer, as canções de Vile soam como se o compositor tivesse imaginado o arranjo de um jeito, mas tivesse usado o que tinha a mão para executar e acabasse criando algo diferente.

Esse característica alienígena, que fique claro, não é uma coisa ruim. Pelo contrário: é nesse modo meio intuitivo de compor que reside boa parte do talento de Kurt Vile. Mas em Square Shells, EP mais recente do músico, os arranjos estão mais centrados e crus. Predominantemente folk, das sete faixas do disquinho apenas a longa e ruidosa “Invisbility: Nonexistent” e a bizarra e dispensável “The Finder”, remetem às gravações anteriores. De resto, a impressão é que Vile anda forçosamente caminhando para outras direções. Voltando à comparação com Springsteen, é como se em poucos movimentos fossemos de Asbury Park e The E Street Shuffle direto para Nebraska. E, de fato, a grande imprensão é que Vile gravou as faixas do mesmo modo que o Boss fez em seu clássico álbum de 1982, em um quarto de hotel, com um gravador de 4 canais e um maço de cigarros à guisa de equipamento.

A delicadeza descarnada da abertura em “Ocean City” chega a arrepiar, com os vocais fantasmagóricos de Vile garantindo, feito um mantra emitido de alguma dimensão paralela: “You got a best friend, don’t know how/ You got a best friend now”. “I Wanted Everything” é uma perfeita canção estradeira com letra auto-depreciativa: “I wanted everything/But I think that I only got most of it”. Um pouco de luz surge na belíssima “I Know I Got Religion”, ainda que sem deixar de lado o lusco fusco (“I’m strumming my way everyday/When I feel blue I write a strummer for you”). A saidera, com “Hey, Now I’m Movin” parece ensaiar um final feliz – e, de fato, é uma das melhores do disco. E quando termina, tudo continua meio incerto, exceto que você tem a certeza de que precisa ouvir o disco outra vez. Square Shells pode até ser um disco de entresafra ou o prelúdio de uma nova fase na carreira de Vile. Mas tendo em vista o currículo do figura até aqui, uma mudança de rumo nesses moldes está longe de ser algo preocupante.

Quando surgiu de uma hora para outra, já nos acréscimos das listas de melhores do ano de 2008, Nathan Williams e seu Wavves deixaram a indiezada em polvorosa. Também, pudera: Wavves é indie, punk, pop, surf, noise, maconherístico e _____________ (insira aqui o adjetivo descolê de sua preferência) o suficiente para pressupor o ressurgimento de uma cena que não se sabe bem qual é, mas que certamente difere bastante do experimentalismo de brechó e do poperô cabeçudo que o rock alternativo vinha engolido nos últimos tempos.

Corta para uns meses dentro do hype: escalado para um dos palcos principais no Barcelona Primavera Sound Festival, Williams mistura birita com anti-depressivos, Fernando Vanucci style, e surta na frente da plateia, que irritada começa a atirar coisas nele. A esse vexame, segue uma turnê européia cancelada em questão de poucas horas, tretas mal explicadas com o pessoal do Black Lips e um anúncio relâmpago de “hiato por tempo indeterminado” que não passou de lorota ou de um jeito mais enfeitado de dizer “vou ali tomar uma cerva e já volto”.

E agora, pouco mais de um ano depois desse imbróglio, o Wavves está de volta. E que esteja de volta com um álbum do quilate de King of the Beach é caso para ser estudado na posteridade. E por posteridade, digo daqui a uns quatro anos e meio quando essa safra de 2010 já vai levar a pecha de “dinossauros” do rock. E até lá não se espante se, entre os encarquilhados do futuro que são os vistosos de hoje, esse disco seja um dos poucos a ainda valer a pena.

A rigor, a diferença de King of the Beach para os dois discos anteriores é puramente estética, já que os mesmos ingredientes citados ali em cima ainda estão todos presentes e as letras, como sempre, não fogem muito do trinômio maconha-verão-vida besta (a única exceção talvez e apenas TALVEZ seja “Idiot”, onde o refrão atrevido pressupõe uma banana para os detratores).

Não, a grande novidade no novo do Wavves é o leve esmero nos botões da mesa de mixagem, o que limita o número de ruídos e guitarras vazadas e consequentemente leva a uma apara mais rente das arestas em relação a tosqueira desmedida dos dois primeiros discos. Cabe até dizer que Williams anda mais pop (no sentido bom da coisa), empilhando referências aparentemente díspares, mas que no fim saem tão bem arranjadas quanto as camadas de um sanduíche de beira de posto às três da manhã. Vide a levemente new wave “Baby Say Goodbye”, a quase-balada “Green Eyes”, a tortíssima “Convertable Baloon” ou “King of the Beach”, a canção punk mais ensolarada desde que os Ramones desaprenderam o caminho até Rockaway Beach. E se faixas de discos anteriores como “Summer Goth” já lembravam os Pixies, no disco novo “Take on the World” se destaca como um trabalho de conclusão do curso Frank Black de escrever músicas para a guitarra. O mesmo vale para “Linus Spacehead” (Nirvana fase Bleach) e “When Will You Come” (Beach Boys de garagem).

Ok, o forte do Wavves não é a originalidade e não sou eu o besta que vai tentar te convencer do contrário. Mas quem se importa? Como escreveu certa vez o grande Emerson Gasparin, originalidade é coisa para world music, diversão em primeiro lugar. Saúde!

A Moça Mais Vagal Que Há é de 2005, mas só foi lançado em 2008. O álbum é resultado da vitória de Simona Talma no projeto Cosern Musical. Um festival competitivo, da Casa da Ribeira, onde quem fazia o melhor espetáculo ganhava a gravação de um disco. O disco é uma mistura de blues, jazz e rock, de uma forma pop.

Leia entrevista aqui.

Baixe o disco clicando na capa.

01. Dito Blues

02. Cada dor

03. De vez em quando

04. Confio a um blues

05. Quase tudo que não sei

06. Deixe eu ser seu maquinista

07. Um lugar onde aquecer as mãos

08. Bilheteria

09. Gargalo

10. Eu te peço um verso

11. Maldito amor

12. A linha e a luz

Ficha Técnica:

Bateria: Fernando Suassuna

Baixo: Willames Costa

Guitarra e violão de aço: Thiago Andrade

Teclados: Marcos França

Trumpete: Antônio de Pádua

Trombone: Eliasibe de Jesus

Sax: Fábio Isaac

Produção Executiva: Tatiane Fernandes

Fotos e arte gráfica: Luiz Gadelha

Revisão de texto: Carlos Aldemir

Gravado no Megafone Estúdio em Natal/RN por Marco França

Mixado e masterizado por Eduardo Pinheiro

Foto: Jomar Dantas

Há tempos O Inimigo queria marcar um papo com Simona Talma. Durante as várias reuniões de pautas realizadas pela equipe sob a égide de infinitos litros de cerveja entornados em incontáveis mesas de bar, sempre que chegava a hora de listar o nome de algumas figuras que gostaríamos (ou deveríamos ou precisávamos) entrevistar, a “moça mais vagal que há” era sempre mencionada. Fosse por preguiça nossa ou por esses desencontros que acontecem por aí, demoramos meses para conseguir realizar essa intenção. E quando finalmente deu certo, acabou rolando mais um papo despretensioso sobre as trocentas coisas que Simona Talma fez, fará ou pensa em fazer: shows, processo de composição, artes visuais, vontades e frustrações e projetos que virão – alguns extra-musicais. Uma hora e várias cervejas depois, ficou bem claro que de vagal Simona não tem nada.

[Hugo Morais] – Simona, pra começar fala um pouco sobre o seu disco A Moça Mais Vagal Que Há. Ele saiu quando, foi por alguma lei de incentivo…

[Simona Talma] – Esse disco é de 2005, mas só foi lançado em 2008. Não saiu por lei de incentivo não. Foi pelo Cosern Musical. Era um festival competitivo, da Casa da Ribeira. Se fazia um espetáculo e o melhor ganhava a gravação do disco. Nesse ano, 2005, quem ganhou fui eu e Edu Gomez.

[Alexis Peixoto] – Esse show que você apresentou recentemente na Casa da Ribeira ainda é desse disco?

Não. Esse agora é o Boa Sorte de Malfeitores. Eu estou com esse trabalho (o disco) há um tempão. Aí nós começamos a compor coisas novas e experimentar no show. O show não tem nada de especial. É ótimo a pessoa dizer que não é nada de especial, né? É uma continuação, é mais um show. Fiz vários, cada um eu dou um nome diferente. E a proposta é a mesma: testar músicas novas. A gente já testou umas vinte, até agora ficaram quatro que eu acho que vou gravar. Eu fiz o mesmo processo do outro disco que é compor, testar nos shows e depois escolher o repertório para gravar. É mais ou menos esse processo e está sendo pior porque é o segundo disco. O primeiro você tem a vida toda para fazer e o segundo não, precisa fazer logo.

[Alexis] – Interessante isso que você falou de compor e testar no show.  É uma coisa que a gente sempre comenta, que as bandas têm essa facilidade da tecnologia, então os caras fazem 4 ou 5 músicas e já gravam e divulgam. Aí sai um EP que fica bem gravado, bonitinho, mas no show não rende tanto. Como você vê a importância de testar as músicas no palco antes de gravar? Para você é um processo contínuo: compor, gravar, testar no show?

Primeiro eu tenho que gostar quando estou compondo. Aí depois a gente faz uma gravação caseira. E cada etapa dessa para mim conta. Se eu ouvir em casa e gostar, eu levo pro show. Se no show funcionar eu continuo fazendo. Senão, jogo fora.

[Alexis] – E como você sente que funciona no show?

Se eu me emocionar. Se eu me sentir bem fazendo aquilo, se me despertar alguma coisa e se eu perceber que as pessoas estão sentindo. O principal é que eu goste, mas se as pessoas não gostarem eu não consigo fazer mais.

[Hugo] – Você faz shows com voz e violão, mas também faz outros bem elaborados na Casa da Ribeira com cenário, banda, projeção. Investir nesses shows maiores não acaba sendo um tiro no pé, já que não existem tantos lugares em Natal com estrutura para esse tipo de espetáculo?  Isso não fecha algumas portas?

Eu acho as duas coisas boas, são diferentes, não tem como comparar [os formatos]. Eu não acho que seja pior ou melhor, são coisas diferentes. Uma vez eu conversei sobre isso com uma artista que eu admirava muito, agora estou repetindo a resposta dela. Hoje eu realmente acho isso, mas na época que eu conversei com ela não achava. É uma artista que quando faz shows grandes são bem pensados. Ela tem a concepção, um artista que ela pensou para se basear, mas ou menos como eu faço. Tem muita coisa de cinema, de artes visuais, que é Adriana Calcanhoto. Quem me vê fazendo voz e piano é uma coisa, por isso não adianta ver só um show. Não vai ver quem é o artista. Eu acho que o principal do meu trabalho é o teatro. É o que eu mais gosto de fazer e com o que eu mais sofro. Me estresso muito, fico doente, sem dormir. Eu estudei um pouco de teatro, então eu trabalho como se fosse um teatro. Começo por um tema, um assunto. Por exemplo, o Boa Sorte de Malfeitores que é baseado no canalha, no cafajeste. Comecei a pesquisar sobre isso, ler sobre cafajeste, reunir histórias minhas e fui desenvolvendo. Cada passo é parte do tema. A menor parte do que eu faço é música.

[Alexis] – Mas você não sente uma frustração de ter toda essa elaboração para o show e não ter onde apresentar?

Sinto, é tanto que eu paro de fazer (risos). Embora seja o que eu mais goste de fazer, mas paro. Desde o primeiro espetáculo que eu fiz, com esse formato, já vai fazer, sei lá, oito anos. E sempre faço show na Casa da Ribeira porque é mais acessível. Não é muito grande, então não vai ficar vazio. Tem uma estrutura boa, iluminação, equipe acostumada a trabalhar com isso, então é bem o perfil de espaço que eu gosto de trabalhar. Mas eu cansei, não aguento mais fazer lá. Não aguento mais ficar captando para pagar e fazer aquilo. Então resolvi não fazer mais. Não vou mais fazer em teatro aqui, se surgir fora eu faço.

[Hugo] – Pra você que é sozinha essa coisa de captar os recursos é mais complicada. Se fosse uma banda era mais fácil, divida a pauta entre os integrantes…

Eu sempre tive vontade de ter uma banda, mas quem diabos vai querer fazer isso? Eu faço porque não tenho opção. Se eu não fizesse eu ficava louca.

[Hugo] – Os shows seus que eu vi são carregados de rock, blues e jazz. É isso mesmo, são esses os pontos de partido que definem teu show?

Na verdade ninguém sabe até onde vai um estilo e começa o outro. Por isso que meu trabalho é complicado de se inserir num festival de blues. Porque em um festival de blues sempre vai ter alguém para dizer que não é blues. A mesma coisa com rock e jazz. Porque as pessoas que fazem os festivais são puristas. É difícil ter um festival de fusão.

[Alexis] – Mas teve uma edição do Festival DoSol que você tocou no mesmo palco das bandas de rock, quando ainda os shows ainda eram no largo da Rua Chile. Como é que foi essa experiência?

Foi bom. Eu gostei. Às vezes o público não gostava não. Acho que eles não ficaram totalmente satisfeitos. Faz parte, não me importo. Prefiro isso do que a indiferença.

[Alexis] – Antes você falou que espera uma resposta emocional do público. Mas você faz uma idéia de quem pode ser esse público? Quem são as pessoas que ouvem e entendem esse teu trabalho de pesquisa, essas referências de jazz, blues, etc. e te dão a resposta que você procura?

Tem adolescente de 15, 16 anos, tem professor universitário, pesquisadores. De todo tipo. Eu presto mais atenção nas pessoas que não são da área de música. O principal é que as pessoas se interessem pelo que eu digo. Acho que [as que entendem] são as que continuam seguindo. As que se impressionam com qualquer coisa param. Porque o importante no meu trabalho é o que eu digo, a base é a palavra. A atitude, quando eu falo é tudo. A cena, o que está dizendo na letra, a maneira como me expresso quando vou cantar. O conjunto das coisas.

[Hugo] – O Boa Sorte de Malfeitores, não sei se pela temática, é bem carregado de sensualidade e sexualidade. Foi só nesse trabalho ou os outros também têm essa característica?

Desde o momento que eu me assumi como artista solo, há dez anos, eu comecei a desenvolver isso. É tema do meu trabalho. A sexualidade, a mulher, a sensualidade.

[Alexis] – Apesar do blues ser uma coisa machista…

Totalmente. É por isso que eu sou feminista (risos). E eu não sei como eu consigo conviver com meus amigos, tipo os meninos do Mad Dogs. Eu convivo muito com eles, mas acho que eles esquecem que eu sou mulher. Mas é porque eu sou da mesma laia, mas sou mulher.

[Hugo] – Já que você falou dos meninos do Mad Dogs, fale das suas parcerias…

[Alexis] – “Meninos” é um elogio, né? (risos)

[Hugo] – É, eles não são mais meninos (risos). Mas tem os mais jovens, como o pessoal do Projeto Trinca, Luiz Gadelha…

Gadelha foi quem me fez cantar. Eu sempre quis cantar, queria estudar música, canto, piano, mas meus pais não queriam. Achavam um absurdo, não queriam nem que eu ouvisse música. E eu insistia, ouvia música escondida. Comecei a fazer coisas escondidas por causa da música, mas não tive coragem de assumir que ia ter isso como profissão. E aí com 16 anos, conheci Gadelha e ele começou a me instigar. Ele me escutou cantando numa rodinha de violão e começou a pedir para eu cantar. No primeiro disco dele me chamou para participar, porque eu ajudei no repertório, indiquei uma música. Gravei com ele, fizemos shows juntos, mas aí ele foi morar no Rio de Janeiro fui obrigada a fazer sozinha. Mas nesse meio tempo fiz vestibular pra música, aula de piano, de canto. Já os meninos do Projeto Trinca foi porque Bruno e Palhano fizeram uma música para eu cantar. Eles fizeram uma gravação bem tosca que hoje é a música de trabalho do próximo disco, se chama “Cafajeste”. Fizeram de forma aleatória, nunca nem tinham visto esses shows mais elaborados que eu faço. Aí começamos a trocar figurinhas, um mandar música pro outro. Eles começaram esse projeto porque eu obriguei eles a fazerem o Projeto Trinca.

[Hugo] – E como está essa parceria com Palhano e Bruno? Vocês continuam compondo juntos?

É, porque a gente é amigo. Tem essa coisa de um ir ao show do outro e mostrar as coisas. Eu não conseguiria viver sem isso, se eu pudesse seria uma banda. Como eu não encontrei ninguém que me suportasse, então eu sou sozinha. Mas por outro lado eu consigo trocar muito com os músicos que trabalham comigo e com os compositores. E aí tem muita gente. Tem Cris [Botarelli] que tem o projeto infantil com a gente. Tem Henrique [Geladeira], Tiago também era da banda infantil. Tem as meninas que eram do Retrovisor: Valéria [Oliveira], Khrystal, Angela [Castro]. Essa galera é um grupo de criação. Estão sempre conversando sobre compor, sobre música, sobre o processo todo, de carreira e tudo mais. E em grupos separados.

[Alexis] – Você consegue ver tudo isso, esse grupo como uma cena?

Acho que sim. A gente faz coisas junto, né?

[Hugo] – Mas esse grupo tem força para crescer e aparecer? Porque a gente conversa muito se Natal tem ou não uma cena, já que as bandas surgem e desaparecem muito rapidamente…

Acho que sim. O objetivo do Retrovisor é mais se juntar na casa de alguém, conversar, compor e esporadicamente fazer show. Para celebrar a amizade, é totalmente despretensioso. No início, a intenção era fazer shows individualmente, mas as coisas foram rolando naturalmente e o povo gostou de fazer todo mundo junto. E foram surgindo propostas de shows, fomos para São Paulo, Ribeirão preto, lançou disco lá. Só que o objetivo da gente nunca foi esse de ter uma banda. Até porque são pessoas muito diferentes. Mas aconteceu e a gente criou um novo trabalho que é diferente. E agora a gente vai continuar, criar coisas mais políticas. Porque não tem o compromisso de estar no tema de cada um. Khrystal trabalha com o regional, tem toda uma linguagem. Eu já escolhi o blues, Luiz tem outra viagem com música eletrônica. E no Retrovisor não temos essa obrigação, então escolhemos outros temas. Eu adoraria ser só “protesto”, mas não consigo.

[Hugo] – E você, como artista solo, tem articulado alguma coisa fora daqui, alguma turnê?

Tenho. Estou correndo atrás de editais de circulação, se algum dia passar eu fico feliz. Mas fora isso eu não tenho produtor, converso com um e com outro. E não tem muito o que fazer não. Nem todo mundo nasceu para ser produtor. Dimmy até deu uma entrevista e fala sobre isso: que todo artista deveria ter mais domínio sobre sua carreira. Eu tenho domínio sobre todas as partes, mas já faço bastante coisa e tento não me noiar muito com isso. Vejo bastante gente escrevendo sobre esse assunto. Li o texto de Ana Morena que fala que tem muita banda que reclama, que não se mexe. Eu não faço isso, mas também não vou dizer que sou uma boa produtora e que consigo ser articulada. Eles conseguem, mas quem não consegue, tem que ter alguém que faça por você. Vi na tevê uma entrevista com uma artista plástica, que fiquei tão impactada com o que ela disse que nem consegui ver o nome dela. Só sei que ela não é brasileira. E ela falava que ainda bem que ela tinha uma forma de sobreviver que não através do trabalho dela – e isso é uma coisa muito comum entre os artistas visuais. E era um questionamento que eu já tinha há muito tempo: como é que esse bichos fazem esses trabalhos super esquisitos, de performance, de instalação, coisas que são para provocar as pessoas, mas não são vendáveis. Ninguém vai comprar aquilo.  E a artista dizia justamente isso: não necessariamente meu trabalho é vendável ou compreensível. Nesse momento eu estou questionando o meu trabalho. Não sei eu tenho que tocar fora, se tenho que receber cachê grande, ganhar bem com meu trabalho. Sei que eu nasci pra fazer isso e estou fazendo. Mas será que eu nasci pra fazer uma turnê pelo Brasil todo? Não sei. Eu estou no melhor momento, tranquila em relação a isso. É muito interessante o artista receber pelo que ele faz, mas não necessariamente a sociedade tenha que estar preparada para isso. Tem muitos desses caras que fazem esses trabalhos esquisitos… Inclusive aqui tem vários como Falves [Silva], que é precursor de um estilo de poesia muito bem visto no país inteiro. Tem Sayonara Pinheiro, tem Guaraci [Gabriel, artista plástico]. Muita gente que faz trabalhos desse tipo no mundo todo e às vezes não tem dinheiro pra pagar a passagem pra ver a exposição lá fora. E o bicho trabalha lá na Central do Cidadão e depois vai tomar uma cana no final da tarde. Mas o cara é um gênio, alguém vai contestar isso? Contribuiu muito para a cultura nacional. Muita gente conhece ele no mundo, mas ele não tem dinheiro.

[Hugo] – A gente tem visto esse ressurgimento das cantoras brasileiras. Tipo Céu, Vanessa da Mata, Maria Rita, Roberta Sá e outras que vão pelo lado do samba, MPB e bossa nova. Algumas com uma pitada de música eletrônica. E você está inserida em outro nicho. Como você vê o trabalho delas em relação ao seu?

Eu não gosto muito desse tipo de cantora não. Acho chato. Porque elas são cantoras, cantoras mesmo. Elas vão cantar bonitinho, são bonitas, têm presença de palco. Não é muito o que eu gosto de ouvir. Eu gosto de ouvir mulheres, escuto muitas mulheres, mas quando percebo que tem uma coisa a mais. Mas essas meninas aí não me interessei não, quase nada. A única que achei mais interessantezinha foi Ana Canãs. Que está nessa galera também. E ela tem também uma ligação com rock, jazz, começou cantando cover de clássicos do jazz num lugar foda lá em São Paulo. E ela canta muito bem jazz. E ela é atriz. Eu me interesso mais por essa coisa, não por cantoras que são bonitas e cantam bem.

[Alexis] – E o que você ouve atualmente ou desde sempre? O que é que você ouvia escondido dos seus pais?

O que tocava no rádio. Quando eles iam jantar, estavam bem distraídos, eu ia no quarto no escuro e ouvia o rádio. Tocava muito Chico Buarque. Eu gostava muito de Bethânia. Chico, Caetano, Gal, aquela coisa toda. Eu escutava rock, blues e jazz através do meu pai, quando ele botava os vinis. De jazz era principalmente instrumental. Não gostava de cantoras, só depois. Mas eu escuto um monte de coisas diferentes, procuro não me contaminar por coisas que não me interessam, mas às vezes acabo escutando. Agora eu estava ouvindo Nervoso, Mombojó, CocoRosie…

[Hugo] – E o novo do Mombojó [Amigo do Tempo]? Gostou?

Gostei.

[Alexis] – Talvez você seja a única pessoa nessa mesa que gostou desse disco…

Ah é? Eu gostei. Por que vocês não gostaram?

[Hugo] – Achei muito lento, arrastado, chato.

Ah, é por isso, eu adoro essas coisas. Adoro coisa lenta, chata, arrastada (risos). Acho que ele [Felipe S., vocalista e compositor do Mombojó] mudou totalmente o jeito de escrever. Eu gostei disso, apesar de também gostar de como era antes. É porque depende do que cada um gosta em música. Tem pessoa que gosta dos arranjos, aí vai prestar atenção no que as guitarras estão fazendo, na dinâmica que leva aquilo ali. Eu já não gosto, são outras coisas que me pegam. Tem gente que gosta de música que mexe com o seu corpo. Quase percussivo.

[Hugo] – Talvez seja porque eu fiquei muito ligado ao primeiro disco do Mombojó. Tem bandas que passam por essa mudança e a gente gosta.

[Alexis] – O segundo deles [Homem-Espuma, de 2006] já é bem diferente e também é um bom disco, que foi pouco comentado na época. Mas esse terceiro não me desceu muito não.

Mas eu escuto um monte de coisa esquisita. Música instrumental, às vezes um pianista. Eu fico viajando com aquilo. A música tem várias funções na minha vida. Eu tenho música para correr, para trabalhar, para ficar chorando, para estudar. Às vezes eu aproveito que vou correr para estudar. Fica meio confuso, mas eu faço isso porque preciso. Não tenho tempo de parar só para estudar.  Então eu escuto muita música de raiz, tipo Robert Johnson, Bessie Smith. Eu preciso ouvir isso, é estudo. Mas escuto Amy Winehouse, Etta James. Muito instrumentista que às vezes eu boto pra tocar e nem sei quem é. Gosto muito do albino Johnny Winter. Eu estou escutando muito o disco novo de Otto [Certa Manhã Acordei de Sonhos Intranquilos]. Eu gosto muito da maneira que ele escreve que é completamente louca.

[Hugo] – Fala um pouco do seu projeto de música infantil.

O projeto infantil é massa. É antigo. Quando eu comecei a fazer show com Luiz a gente colocou duas músicas do Balão Mágico. A gente já tinha uma ligação muito forte com música infantil. Essa banda tinha Paolo [Bugs] no baixo, Tiago [Grogs] na guitarra e Dani [da extinta Dharma] na bateria. A galera gostou e então a gente resolveu fazer um show só com músicas infantis dos anos 80. Depois a gente começou a compor, um monte a gente jogou fora, outras a gente fez. Tem 10 anos que a gente começou a trabalhar com música infantil. Virou banda há uns 3 anos. Mas foi mudando. Às vezes pára, às vezes a gente faz um aniversário. A gente está há um ano ativo, tocando todo mês. Aniversário de criança é o que rola mais. Agora quando é festa em lugar que tem brinquedo criança nenhuma presta atenção. O show é para os pais.

[Alexis] – Como é o nome da banda?

Trem Fantasma. Hoje em dia a gente faz tudo. Scooby Doo, Ben 10. E aí a gente vai atualizando a partir dos aniversários. Sempre o aniversariante pede uma música de um programa que ele assiste, faz coreografia. Aí a gente vai e aprende. Teve um aniversário que foi ótimo que era a música da Barbie, aí eu e Cris cantamos a música da Barbie. É principalmente pra gente se divertir. E a gente ensaia na casa de Cris. Aí vamos pra lá, passamos o dia, ensaiamos, almoçamos, rimos um da cara do outro, falamos sobre música. Então é muito pra se divertir. E a gente quer gravar alguma coisa. Até agora temos uma música autoral, com esse grupo atual. E ela foi feita ainda com Tiago. Mas é também porque a gente não tem tempo, sempre temos que aprender uma música nova para os aniversários. A gente faz o show com aquele Projeto Picadeiro. Então até novembro a gente faz um show por mês. E vamos fazer na SBPC uns dois shows.

[Hugo] – Você também tem um programa de vídeo no YouTube, o Microondas com Paula Vanina e Luiz Gadelha…

Tem muito a ver com o que a gente faz e pensa. O Microondas faz parte desses anseios que eu, Luiz e Paula temos de saber o processo criativo das outras pessoas, dos outros artistas. Como as pessoas trabalham, o que elas querem da vida… A mesma coisa que vocês estão fazendo. Eu prefiro perguntar do que responder. Então a gente resolveu fazer o programa, botar no Youtube, e a gente chama quem está a fim. A gente entrevistou Juão [AK 47] porque sempre pensamos nele por causa do trabalho como ator, performer, tem a banda, tem o trabalho solo. Ele é complexo. Tem o negócio da modificação corporal e um monte de coisas que eu queria saber. O interessante é que como somos da mesma área, podemos fazer perguntas mais específicas. E depois será Henrique, porque pela convivência na banda das crianças, eu comecei a me interessar. Ele me disse que o começo das músicas no Calistoga eram com os riffs e eu fiquei chocada, porque entendi tudo. Aí ele começou a explicar e eu fiquei fã do Calistoga, antes eu não era. (risos)

[Hugo] – Você não pensa em unir essas influências musicais, de teatro e de vídeo e fazer curtas, ou algo do tipo?

Já tive muita vontade, queria fazer um documentário. Um dia desses eu pirei que queria ir pra Cuba fazer um documentário com uma menina que trabalha comigo, Rita Machado. Ela é jornalista, videomaker, o caralho de asa todo. E aí desde que eu comecei a fazer os shows no teatro ela está registrando tudo. A gente tem muitas imagens e nunca soube o que fazer com isso. Quando eu ganhei o prêmio pra fazer o disco, eu fiz uma temporada com quatro shows. Uma coisa bem maluca pra música fazer quatro shows na Casa da Ribeira. Registramos os quatro shows e fizemos um DVD com making of, entrevistas, tudo. E até hoje a gente não fez nada com isso. Porque a gente não sabe o que fazer, não tem dinheiro para editar. Eu tenho essa ligação com ela. Já fizemos um clipe que ela editou. Ela editou esse material e fez outro clipe que até ganhamos o Curta Natal como melhor videoclipe. Uma vez eu disse: “Ritinha, vamos embora pra Cuba. A gente faz um documentário sobre música e fica por lá. Fuma muito charuto cubano”. Aí ela perguntou como a gente fazia, e eu disse que a gente pedia um dinheiro na Fundação [José Augusto] e ia embora (risos). A gente ficou de se inscrever em um edital, eu arranjei um namorado e deixei pra lá. Já tinha articulado um monte de coisa, falado com um amigo que faz Medicina lá, com um monte de gente. E olhe que é difícil falar com o povo de lá. Falei até com um menino que estava em Paris porque o irmão dele está em Cuba e podia me ajudar… Aí desisti. O namoro foi mais importante.

[Hugo] – E o seu próximo disco, sai quando?

Não tenho a menor idéia. Eu recebi proposta de uns três estúdios para gravar de graça. Chega uma hora que isso acontece. Alguém liga e diz: “Ei, quer gravar uma música no meu estúdio?” E até agora eu não gravei nenhuma. Eu acho que vou gravar umas três músicas e lançar um EP, sei lá. Lancei duas músicas do Boa Sorte de Malfeitores. Ia lançar três, mas a outra não prestou. Tá no Coletivo Records para baixar.

[Hugo] – Faltou perguntar alguma coisa?

Não (risos). Mas realmente eu não queria fazer música, queria fazer cinema. Eu acho que o cinema é o mais completo.

Baixe o disco aqui.

Antes que alguém se apresse em nos acusar de apologia, alto lá. “Não compre, plante!” é o singelo título da primeira música do álbum Usuário. A banda era o Planet Hemp. Figura mítica dos anos 90 e que pariu Bacalhau (hoje no Autoramas), B Negão (hoje no B Negão & Os Seletores de Frequência e Turbo Trio) e Marcelo D2, que segue segurando seu próprio nome, não da mesma maneira, mas segue. Também faziam parte da banda Skunk, que morreu em decorrência da AIDS, Formigão e Rafael. 15 anos completa em 2010 o álbum. É da mesma safra de Da Lama ao Caos e Samba Esquema Noise, de Chico Science & Nação Zumbi e Mundo Livre S/A, respectivamente. A trinca marcou a década de 90 e escondeu muitas outras bandas boas.

Chico e Nação, junto com Mundo Livre S/A defendiam a mistura de ritmos nordestinos com o rock, o funk, o hip hop e o que mais viesse. O Planet Hemp do mesmo jeito, só que mais carregado no rock, hip hop e rap. E com a temática voltada ao Rio de Janeiro e a legalização da maconha. Se hoje o assunto ainda gera polêmica, imagine há 15 anos. Os títulos das músicas eram bem diretos: “Legalize Já”, “Maryjane”, “Porcos Fardados”, “Bala Perdida” e a já citada “Não compre, plante”. Mais direto impossível. Polícia e droga, íntima ligação.

Não lembro ao certo, mas foi por volta de 1996/1997 que a banda veio a Natal pela primeira vez. Não existia nem de longe o sonho dos dois festivais que hoje a cidade abriga. Os shows eram feitos na raça mesmo, o underground era underground mesmo. A casa dos shows menores já era a Ribeira, só que sem estrutura. O show aconteceu no Casarão. O nome alusivo a beleza da fachada dos prédios históricos do bairro, e só. Caindo aos pedaços, com dois ventiladores de teto bem próximo as cabeças, banheiros com portas imprestáveis e paredes esburacadas. A banda tinha que passar no meio do público antes de chegar ao palco. Se é que aquele tablado com 50 centímetros de altura pode ser chamado de palco. Atrás de Bacalhau uma luz que fazia o baterista suar que nem uma chaleira.

Antes do show começar, fui com meu amigo Renato tomar uma cerveja em um carrinho de cachorro-quente. Ao sentar observamos duas figuras ao nosso lado em outra mesa. Bacalhau e Formigão. Na maior paz tomavam sua cerveja em meio ao anonimato. Internet eram as revistas e a MTV. Que naquela época tinha uma programação supimpa. Folheando o encarte do álbum enfumaçado, vejo Bacalhau ainda com cabelos vestindo uma camisa da Vision Street Wear, marca que vestia muitas bandas, inclusive a Resist Control que fora um clipe na MTV e participação numa coletânea, nunca mais ouvi falar.

No meio do show Marcelo D2 acende o baseado e convoca o público. O tablado era resistente, porque a banda sumiu em meio a tanta gente que queria fumar. Pra mão de D2 ela não voltou. Mas tudo bem, ele já devia estar com a cabeça feita. O show, como de se esperar, foi curto. Tocaram o disco e tchau. Mas o estrago estava feito. E antes do show começar. Sentados a mesa bebendo a cerveja vislumbramos a polícia dando uma dura numa turma que tinha acabado de chegar por uma das ruas adjacentes. Todo mundo na parede, braços e pernas abertas. O famoso baculejo.

O caminho que a banda trilhou é o mesmo que centenas de outras. Mas poucas chegam ao estágio de ganhar dinheiro e viver da música. Diversão é garantida, já dinheiro e fama… É engraçado conversar com pessoas que vivem outra realidade, consomem outra música, elas não entendem como uma banda pode pagar pra tocar, viajar sem ter onde ficar, gravar discos que serão distribuídos e não vendidos. A banda fez esse caminho e pouco tempo depois chegou as manchetes. Culpa da apologia ao consumo de drogas. Shows foram cancelados e eles chegaram a ser presos. O grupo aos poucos foi se desvencilhando da fumaça, mesmo sem nunca tê-la abandonado, culminando com o fim, mesmo que não tenha sido anunciado oficialmente. Há rumores de volta. Rumores.

Enquanto isso Bacalhau toca bateria mundo afora com o Autoramas, B Negão faz seu baile funk com Os Seletores de Frequência e Turbo Trio, também mundo afora. E Marcelo D2 procura a batida perfeita. Nada que Jorge Ben já não tenha achado, na década de 70.  Ainda gravaram Os Cães Ladram, Mas a  Caravana Não Pára, A Invasão do Sagaz Home Fumaça e o MTV Ao Vivo Planet Hemp. Mas nenhum tem a importância do primeiro. Podem até ter vendido mais e tornado a banda mais popular, mas o primeiro é o mais incisivo nos temas e no som. A banda ainda fez vários shows em Natal, mas o primeiro sempre é o melhor, é a novidade. Sem falar que depois a marra tomou conta de D2, assim como aconteceu com Digão, dos Raimundos.

Se a década de 90 te interessa, baixe a coletânea Fim de Século. Ela está no site da Midsummer Madness e tem 30 bandas, cada uma com uma música. Muitas conseguiram projeção. Estão lá Pato Fu, Raimundos, Eddie, Maskavo Roots, Graforréia Xilarmônica, Acabou La Tequila, Devotos de Nossa Senhora Aparecida, The Dead Billies, Concreteness e Pravda! A seleção foi feita por Gabriel Thomaz (Autoramas). Vale a pena baixar e conferir a produção indie 90.

Foto: Danilo Christidis

Quem ouvir o novo disco da Pata de Elefante, banda instrumental gaúcha, irá perceber que eles continuam evoluindo. Se antes uma tênue linha a separava da banda Retrofoguetes, outra excelente banda instrumental, agora essa linha não existe mais. As duas estão lado a lado. Muito pelo leque de influências que continua em expansão pelo lado dos gaúchos. E para as bandas instrumentais não há nada melhor. A ausência da voz, faz com que os instrumentos cantem.

O curioso é que a banda não pretendia gravar disco no momento. Foi convidada pela Trama para a empreitada. O trio ensaiou um pouco e entrou em estúdio. Mas apesar de não estarem pretendendo gravar, muitas músicas já estavam prontas, as demais foram compostas durante o processo. No novo álbum há presença de piano, trombone, sax, vibrafone, percussão, cravo, clavinet e melotron. Além, claro, do trio baixo, guitarra e bateria. E no próprio site da banda diz que as trilhas sonoras, como as de Enio Morricone e de Henry Mancine, influenciam a banda. Muito da diversidade sonora, do som heterogêneo vem daí.

Ao longo de 13 músicas, sempre com nomes interessantes como “Diga-me com quem andas e te direi se vou junto”; “Pesadelo no Bambus” (referência a um bar gaúcho); “Vazio na cerveja” e “Reforma no banheiro”, a banda passeia por baladas, rocks mais pegados (com bateria e guitarra mais proeminentes), surf music, folk, funk, ritmos latinos e rock tradicional. Com direito a pedal wah wah e baixo fuzz. O nome do álbum remete ao anterior Um Olho No Fósforo, Outro Na Fagulha, que era mais rural. Na Cidade vem com um som mais urbano, mais dançante. Dentre as músicas a que chama mais atenção, sem sombra de dúvidas, é “Vazio na cerveja” que trata-se de um samba rock.

É ela que chama mais atenção pelo estilo não ser das influências mais diretas da banda, mais saiu muito boa, com direito até a cuíca e piano elétrico em evidência. O trio baixo, guitarra e bateria soam abafados, mais com o suingue para segurar o sambinha. Outra música que chama a atenção é “Squirt surf”, uma surf music tradicional. A atenção é despertada no fim ao parecer que os instrumentos estão “dobrados”, mas o mistério é a presença da banda Os Aventuras tocando lado a lado com a Pata de Elefante. O álbum termina com “Grande noite”, onde os instrumentos vão surgindo aos poucos até juntarem-se para encorpar a canção.

O trio gaúcho deve seguir a peregrinação pelos festivais país afora e a aposta é que venham além de Recife, onde estiveram em uma edição do Abril Pro Rock. A produção de Na Cidade ficou a cargo de Júlio Porto, ex-Ultramen, e a masterização foi nos lendários estúdios Abbey Road pelas mãos de Steve Rook. O álbum pode ser baixado gratuitamente no site da gravadora Trama.

]]> http://www.oinimigo.com/blog/?feed=rss2&p=4399 1